摘要: 每个人都像一个瓶子,装满了生存阅历和生命体验中形成的价值观,都需要找到一个出口与外部世界形成联系。对摄影师而言,这个出口便是通过手中的相机,以影像的方式倒出来,呈现给读者,形成独具个性的另一个活生生的你。


       在他人看来,摄影就是拿起相机、按下快门这么简单。但深入其中,却是一个小宇宙,里面的知识、道理博大精深。  摄影的门类很多,每个人心目中的摄影也大不相同,我今天按照我自己理解的人文纪实摄影,与大家分享我的一些体会。

        第一方面,关于摄影的特质与价值

        各种事物存在的依据是其特性。摄影也一样,失去了其特性的成长,就不具有不可替代性,也就失去了生命力。任何语言都具有“记录”和“表达”双重功能。摄影作为人类记录的工具,有着与文字不同的特性。对摄影而言,记录是直接的,具有实证性,而表达是间接的,需要读者自己去品、自己去悟;对文字而言,记录是间接的,是经过作者思维后文字组织的结果,而表达是直接的。“百闻不如一见”,记录的直接性、实证性是摄影之基本特性。

摄影的独特魅力,一方面是因其记录的直接性、实证性增强了读者对作品内容的可信度;另一方面,也因其表达的间接性,即读者必须在观看时投射进自己的阅历、经过思考后才能体悟出摄影师想表达的意味,为摄影师观点表达增加了缓冲、提供了掩护,并因品读时的互动性,提升了作品解读的可能性。

        从历史的视野看,人文纪实摄影作品的价值,简单地说主要体现在科学价值、文献价值和人文价值三个方面。一是科学价值。如标志着摄影技术进步的作品。二是文献价值。即记录历史变迁的作品。图志式文献往往记录了一个时间切面。从文献价值的维度去看待摄影作品,我觉得主要看其记录的真实性、拍摄框架的系统性和画面的感染力。拍摄图志式文献作品难的是对影像描述逻辑的把握、拍摄框架的建构和持之以恒的坚持。三是人文价值。这儿是指以影像为手段提出社会问题、推动社会进步的作品。十九世纪末以来,一些摄影师开始拿起手中的相机,给当时社会“画像”,积极向社会提问,引导公众探讨现实社会发展面临的趋势性矛盾和问题。这也推动了摄影的传统记录功能向现代纪实功能转变,摄影理念也由此发生了根本性变化。当代纪实摄影不再是摄影师向读者呈现其画面技巧,更多的是基于自我价值观,以影像的方式,实现对社会问题向公众的披露性再现,唤醒人们对熟视无睹或习以为常的事物进行重新审视,进而逐步打破固有的结论和观念,推动思想观念向前发展。

        随着纪实摄影的深入发展,一些摄影师不再满足于对社会现实问题的再现,开始将镜头从关注客观现实转向基于自我价值观对社会现实的探究,促进了摄影工具性运用向更高层次的发展。这样的摄影方式,已不仅仅是将客观世界作为镜头的对象,而是将镜头对准自己的内心,把摄影作为展现个人意识和自我价值观的出口。

        其实,每个人都像一个瓶子,装满了生存阅历和生命体验中形成的价值观,都需要找到一个出口与世界形成联系。当代摄影师要做的,就是通过手中的相机,以影像的方式将个人意识和自我价值观倒出来,呈现给读者,形成独具个性的另一个活生生的你。

        第二方面,关于作品的审美与表达。

      相机是个小工具,但摄影是个大宇宙。我从高中参加摄影兴趣小组开始,至今已三十多年。在学习摄影的过程中,随着自己对摄影理解的不断深入,越来越感到摄影的博大精深,越来越感到摄影的难以把握,特别是对摄影的审美取向和表达方式。在多年的学习摄影过程中,积累了以下体会:

        第一点体会是,影像之美在于感人。我在学习摄影之初,最困惑的问题是搞不清楚什么是好照片。当自己逐步认识到什么是好照片后,努力方向也就明确了。我感觉,自己学习摄影有明显的阶段性。从拍摄的动机看,经历了从简单地留影,到主动地记录“历史的尾巴”,再到力求有思想地表达的过程。从照片的表现看,经历了从追求照片的“能看”(对焦、曝光技术层面),到追求照片的“好看”(画面构图技巧层面),再到追求照片的“耐看”(思想层面)的过程。摄影与拍照不是一回事。

       拍照只是对客观景物的复制,属于最简单的记录;而摄影是深入思考后的截取,属于有意识地表达。对纪实摄影来说,缺乏理性思考基础上的追求画面形式,都是舍本逐末。近年来,中国摄影界评价标准已经发生了重大变化,不再以一张照片是否获奖,判定一个摄影师的成败,而是看一个摄影师的某个系列的照片是否有分量、有深度、有专业素质。做任何事都一样,形式只能为内容服务。对人文纪实摄影而言,过度地讲究光影和构图,反而会分散了视线,淡化了看点,成为主题呈现的障碍。打个比方,学生们在教室里听老师讲语文课,在这个语境下,既使你放的是最优美的音乐,那也是噪音。

        什么是耐看的摄影作品?我认为,“耐看”是一种“大美”,是一种人性关怀,是一种直达心灵的感动。有专家说的“悲剧是最美的”,我理解也许就是这个意思。

       第二点体会,进步之要在于修心。从我个人体会看,摄影的进步是一种循序渐进,各人在各个阶段经历的时间可以有长短,但这种阶梯性似乎不可逾越。往往在转段之际是一个门槛,是一个难点,有些人感受到了瓶颈,着力寻求突破点;但也有些人感觉自己到了泰山之颠,有一揽众山小之感,进入了一种虚妄之中。

       我曾经在群里发过一组照片,自己觉得拍得还不错,群友鼓励的多,但也有老师给我这么一个评价:“另一种形式的到此一游,视角比较单一,没有丰满起来。这个阶段应该很快过去,前景看好。”我当时听了很不服气。但从后面两句话中也感觉到这个评价是善意的。就使劲思考我的照片与他们的差距,逐渐感觉到自己的拍摄似乎陷入了一种模式,整个画面除了常规性构图技巧外,看不出我的存在,既使从真实记录历史的角度看,也缺乏系统性;而他们的照片,尽管我看不明白,但是能感受到作者浓浓的情绪,似乎在表达什么。

       后来又看了一些摄影方面的书,慢慢地意识到:基本的构图能力是摄影师的应知应会。如果一名摄影师以自己的构图技巧而沾沾自喜,并以此向他人炫耀,就如同作家之间比谁的小说里用的成语多一样无趣。

       通过不断地思考,也渐渐领悟到:照片中,让人看到你的技巧,还是让人看到你的想法,是两个不同层面的问题;摄影作为记录工具运用,还是语言表达工具运用,是两种不同的境界。

        经过这个心路历程,再回味群友对我那组照片的评价,我感觉当时他的评价是多么到位,多么中肯。其实,很多时候,我听不懂其他影友的评论,并不是因为他说得不好,而是自己对摄影的认识还不够深,是自己的无知带来的无感。

      摄影与绘画不一样,不需要经过长期的手工技能训练,进入门槛较低。每个人又都有自己的生存阅历和生命体验,各自所处地域的差异性也很大,只要肯努力,每个人都能形成自己的长处和闪光点,都能形成自己独特的对社会的理解和对文化现象的敏感。有时候,一个人照片拍得好坏,与他的图片阅读能力,或者说对摄影认识的深度,并不存在必然的正相关关系。在网络上学习摄影,要善于“择其善者而从之”。不能先入为主,看他照片是否比你拍得好而听他的话,而是要看他说的话是否有道理。不管他照片拍得怎么样,只要他说得对,都应该虚心听取。

       从某种程度上说,摄影是一种修行,修行的重点在于修心。一名摄影师要想提升自己的水平,必须有一定的毅力和定力。每个人从习惯性力量中超脱出来,是一件不容易的事。在摄影的征途中,师友们需要相互鼓劲,相互提醒,相互帮助。我们应该庆幸,有机会拥有这样一批师友,能身处这样一种氛围。只要我们拥有“闻过则喜、知过不讳、改过不惮”的胸怀,何需独自苦苦摸索,何愁不会进步!

       第三点体会是,创作之源在于思想。每个人都像一个瓶子,装满了生存阅历和生命体验中形成的价值观。一个瓶子能倒出什么样的东西,是由瓶子本身所装的内容决定的。纪实摄影是一种有目的、有主题的对社会现实进行观察和评价的行为,是摄影师思想观念的出口。

       简单地说,摄影创作就是摄影师遇到一个景观,发现它与自己长期思考的问题相契合,于是马上按下快门完成拍摄的过程。这是一种既很即兴、又蓄谋已久的行为。摄影师只有形成自己的价值观并进行独立思考,才能实现良好的影像表达。

       法国思想家、导演,情境主义代表人物居伊·德波(Guy Debord) 1967出版了他的名作《景观社会》,他认为那个年代的资本主义社会,已经从马克思所面对的资本主义物化时代,过渡到他所指认的视觉表象化篡位为社会本性基础的颠倒世界。他认为可以将资本主义经济发展划分为两个阶段:

        经济统治社会的第一阶段,使人们实现了从存在向占有的明显堕落——人类实现的不再是等同于他们的之所是,而是他们之所占有。写书时那个阶段则是经济积累的结果完全占据了社会生活,并进而导向了从占有向显现的普遍转向,由此一切实际的“占有”,当时都必须来自其直接名望和表象的最终功能。

          去年,我拍了这张照片,《影子与身子》。有句老话叫“身正不怕影子斜”。但在现实社会中,是身正重要还是影正重要已是一个每个人都需要思考的问题。从某种程度上说,现实社会中“影正”比“身正”更重要。西方资本家为什么要控制媒体?也是因为他们要通过媒体塑造他的影子。

        所以,从某种程度上说,当代纪实摄影作品是一个社会文化现象的文本载体和讨论触发装置,其价值往往不由画面本身决定,而在于其承载的文化现象或社会事件的价值。作品的主要功能,就是触发观众对社会文化现象的深入思考,并共同寻求解决的途径。摄影作品如果脱离了社会的土壤、失去了思想支撑,就成了摄影师的自娱自乐,也就失去了生命力。

        第四点体会是,表达之基在于关系。我的理解,摄影就是通过捕捉、组织影像元素,并利用元素间的关联关系,让读者产生联想、传达信息。从本质上说,摄影的表达是通过对影像元素的挪用,从而实现画面意义的重构。

        摄影作品呈现的影像语言及其解读的可能性是摄影创作的根本要求。这离不开摄影师较强的社会观察能力和影像元素把控能力,以及画面影像元素的典型性、可抽离性和对现实的隐喻性。

        缺乏典型性和可抽离性影像元素的摄影作品,难以超越画面本体,实现影像元素向语言表达的转换,从而拓展解读空间。这样的画面也就无法与读者进行对话并形成共鸣,更谈不上引发读者的深入思考。窃认为,纪实摄影有三个关键词:元素、关系和可能性。

       关于元素人类都生活中信息之中。而信息的建构和传递离不开符号体系。符号体系中既包括定型化的符号,如语言、文字;也包括生活经历中形成的非定型符号。 摄影作品中的元素符号既有定型化的符号如文字、标识等,但更多的是非定型化的图像符号。这种影像元素的图示化,就构成了画面元素的典型性和可抽离性,使摄影作品产生了超越画面本体的普遍意义。

摄影师应该善于解构和把控影像元素符号,串“字”为“句”,使图片产生意义。

       关于关系。鲍昆老师曾在一次摄影讲座中谈到,“一定要记得,拍照不是只拍美感,拍照追求的是拍下来关系。一张照片中的关系越多越复杂,越有意思,你的照片越有历史感”。摄影画面中的“关系”既包括影像元素与社会现实的对应联系,也包括作品内部影像元素之间的关联关系。摄影“关系”表达最主要的手法是对比。既有明暗的对比,也有冷暖的对比;既有横向的对比,也有纵向的对比;既有画面内元素的对比,也有系列图片之间的对比;既有画面与现实之间的对比,也有时空变迁的大对比。

     关于可能性。摄影作为人类记录与表达的工具,有着与文字不同的特性。其差异主要源于文字涵义的确定性与图像符号涵义的非确定性。在摄影作品中运用的大多是未定型的影像符号。读者在观看摄影作品时必定会投射自身的经历,对这些符号产生不同的内心反应,从而产生了解读的多种可能性。同一话题在阅读时因掺进了读者的不同阅历、不同背景信息,这些不同参数的掺入,自然延伸出许多不同的解读结果,这相当于建立了对社会矛盾演变的多种可能性的推演。

       综合上述, 摄影作品是摄影师给社会的画像。当代纪实摄影不仅仅是摄影师向读者呈现其画面技巧和形式发明,更多的是基于自我价值观对现实作出的响应。需要从历史的视野、人文的视角,充分运用影像符号语言和隐喻手法,善意地引导公众探讨当代社会发展面临的趋势性矛盾和问题,并对其演化的多种可能性进行艺术化的推演,启迪人们深入思考并奋力前行,寻求更加美好的未来。

       讲座视频:http://mp.weixin.qq.com/s?__biz=MzAxMjAwOTg1MQ==&mid=2649952931&idx=1&sn=5e42645e1f4d4fe1a096248f3dd95a0d&scene=0#rd

    或者  腾讯视频中搜索“凡是摄影 ”+“默目讲座”两个关键词



评论区
最新评论